¿Cuál es el texto impreso más antiguo del mundo?

Sabías que el texto impreso más antiguo del mundo recoge las palabras de Buda?
Este documento conocido como el sutra del Diamante, fue escrito en sánscrito, la antigua lengua sagrada de la India, y recopila los sermones de Siddhartha Gautama (Buda), fundador de una de las religiones más seguidas del mundo hace unos 2.500 años.
La historia de este excepcional documento así como la de su protagonista, es bastante curiosa. 
¿Quién fue Buda?

Su nombre real era Siddhartha Gautama y nació en el año 566 dentro de una familia de la realeza hindú. Se han encontrado evidencias arqueológicas de su existencia pero poco se sabe con certeza de su vida. Según cuenta la biografía mas aceptada, llena de mitos y leyendas, tras vivir entre el lujo y la riqueza con 29 años tuvo una revelación espiritual que le hizo renunciar a todo lo material, sacrificando desde entonces su vida a la meditación y la "privación total" base fundamental de su doctrina.

Esta alcanzaría una gran difusión en el continente asiático gracias a la sencillez de sus ideas. El budismo, al contrario que otras religiones, no busca una relación personal con la deidad sino que es una auténtica filosofía de vida. El individuo se convierte en su propio maestro al buscar la santidad con la meditación trascendental, la moralidad y la sabiduría, respetando todos los seres de la naturaleza para llegar a la verdad absoluta o Nirvana.
Es por tanto una nueva espiritualidad que se aleja de la creencia en un dios imaginario, puesto que Buda no es un profeta sino un ser humano, y su nombre hace referencia a "alguien que está despierto", "alguien que ha visto la luz", es decir un Ser Iluminado que conoce la verdad de la Vida. 
Su figura se convierte en modelo a seguir para sus fieles pero en realidad, no existe adoración hacia su persona.

En cuanto a la Sutra del Diamante, por qué es tan interesante?

Porque Buda nunca dejó escritos de su doctrina, sino que sus discípulos memorizaron cada una de sus palabras transmitidas de forma oral de generación en generación. Algo muy parecido a lo que sucedió con las doctrinas de Mahoma y el Corán.

Con el paso del tiempo, de la memoria se pasó a la escritura, y fueron surgiendo las llamadas "sutra" o discursos sagrados considerados por sus fieles realmente "la palabra de Buda". Algunas de sus historias nunca ocurrieron de verdad, pero servirían para transmitir la doctrina budista a través de metáforas que a veces son de difícil interpretación. Suelen comenzar con la frase " Así he oído", expresadas en prosa y en primera persona.

Las sutras tuvieron gran difusión en el continente asiático gracias al comercio a través de la Ruta de la Seda. Un de estos discursos fue traducido a lengua china hacia el año 400 por un monje indio conocido como Kumarajiva, del que se haría una copia en el siglo IX por Wang Jie. Este es el ejemplar que ha llegado hasta nuestros días casi por casualidad.
Durante siglos la Sutra del Diamante permaneció oculta dentro de una gruta sellada en la región de Dunhuang. Este lugar, parada obligada de la conocida Ruta de la Seda, supone un impresionante conjunto religioso compuesto por numerosas cueva y templos de gran valor artístico y espiritual que fue redescubierto para la historia a principios del siglo XX. En una de esas grutas apareció intacto nuestro texto. 
Compuesto por siete tiras de papel encolado, es sorprendente como fue impreso con bloques de madera tallados siglos antes de que Güttemberg inventara la imprenta. Estamos por tanto ante un documento único de gran valor, que hoy podemos disfrutar en la British Library de Londres.

Por lo que sabemos, esta joya escrita fue muy popular en su época puesto que era bastante fácil de memorizar ya que su canto apenas duraría 40 minutos. Hay que tener en cuenta que una de las partes más importantes del ritual budista es la recitación de salmos, que ayudan al budista no solo a la meditación sino a elevar su espíritu hasta el Nirvana con la liberación del cuerpo y la mente del mundo terrenal, y este el sutra era sencillo de recitar.
Existe una importante colección de sutras, algunos de gran extensión, con nombres tan sugerentes como el "sutra de la Tierra de la Felicidad", el "sutra de la Iluminación Dorada", o el "sutra del Loto" este último con más de ochenta mil palabras. Todos ellos pueden leerse o recitarse de memoria para cultivar no solo la mente sino también el cuerpo y el alma, y en la mayoría de los casos es mejor hacerlo en grupo como hacen los monjes budistas para conseguir una mayor concentración.
Como curiosidad destacar que en la actualidad, el budismo tiene unos 500 millones de seguidores en todo el mundo, que ha tenido una gran difusión en los últimos años y que se ha convertido en una de las religiones más importantes.

Fuentes: www.nationalgeographic.com/ www.bl.uk /www.spanish.dharmadrum.org
Imágenes: Creative Commons.

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Los iberos: un pueblo de guerreros y heroes

Los iberos que formaron un conjunto de pueblos asentados en la Península Ibérica desde el siglo V a.C hasta su completa romanización en el siglo I a.C, siguen manteniendo cierto misterio entre los investigadores porque aunque sabemos de ellos por los textos clásicos de geógrafos e historiadores como Estrabón, su escritura se mantiene indescifrable hasta la fecha, así que debemos conformarnos con el estudio de los restos arqueológicos.
Es a través de la cultura material como podemos conocer algo más de estos pueblos prerromanos y descubrimos que el mundo ibérico se presenta muy complejo, no sólo por la variedad de pueblos que lo conforman sino también por las múltiples influencias recibidas a lo largo del tiempo, sobre todo de fenicios y griegos. En un principio se les consideró como uno más de los pueblos "invasores" de la Edad del Hierro pero en la actualidad, la cultura ibérica se confirma como el resultado de una larga evolución autóctona.

¿Pero a quiénes llamamos íberos? En realidad, son grupos regionales como los turdetanos, los bastetanos, o los contestanos que no formarían una unidad estatal sino varios centros de poder dipersos por un amplio territorio que se extiende desde el suroeste peninsular hasta más allá del Ebro. Quizás no fueran conscientes de formar una cultura homogénea, de tener una identidad como pueblo como los identificaron los griegos, pero es evidente que compartían rasgos comunes tanto en la organización del poder, como en la economía y sobre todo en la expresión artística.
El arte se convierte así en una fuente de incalculable valor para entender mejor el mundo íbero, y el estudio de la escultura y la cerámica han centrado las principales investigaciones. En el caso de la cerámica, estaba realizada en barro cocido y ya utiliza la técnica del torno desde época fenicia. Tiene una gran variedad tipológica y funcional, encontrándose piezas tanto de uso doméstico como funerario (urnas cinerarias) que suelen estar decoradas con motivos geométricos y vegetales aunque a partir del siglo III a.C, sufrieron un cambio estilístico y comenzaron a usar iconografía zoomórfica y humana coincidiendo con un nuevo contexto histórico en la península. Por esas fechas, los pueblos iberos entran en contacto con cartagineses y romanos durante la Segunda Guerra Púnica y aumenta la romanización. Pero lo importante de estas cerámicas es que gracias a ellas podemos comprender mejor su compleja estructura social, sobre todo en aquellas vasijas de gran tamaño que los investigadores como Dr. Uroz Rodríguez consideran piezas "especiales". El laborioso trabajo y la temática utilizada no es común, y demostrarían que fueron realizadas por encargo y con fines propagandísticos para mayor gloria de sus propietarios.

Presentan una imagen de sociedad muy jerarquizada dominada por una casta de jefes militares, prestigiosa y noble, que se distingue claramente del resto de los grupos sociales, sobre todo de los campesinos. Un buen ejemplo de esas piezas singualres lo encontramos en el llamado "Vaso de los caballeros" del yacimientos de La Serrata (Alcoi) o en la vasija de Libisosa en Albacete.

Vasija de los Caballeros de la Serrata. Siglo IV a.C. Alcoi (Valencia)

Vaso de los Caballeros. Yacimiento de Libisosa. Foto: Héctor Uroz Rodríguez

En ambas piezas se repite el mismo esquema con escenas de de caza y de lucha entre personajes masculinos, montados a caballo y rodeados de una peculiar decoración vegetal. Los invetigadores ven en ellas el reflejo de un mundo propio de creencias que aunque influídas por la presencia de otros pueblos colonizadores que usaban ya esa iconografía, no son una simple imitación porque tanto las formas como la combinación de elementos son originales iberos.

Detalle del jinete.

Predomina la representación de guerreros o caballeros, es decir, de la oligarquía dominante, y se piensa que la intención era demostrar su poder y prestigio. Una especie de publicidad encubierta donde recrean un pasado mítico, ficticio o no, al igual que hicieron otras culturas de la época a través de la escultura como en el caso de los griegos.

Las figuras masculinas luchando entre sí no son escenas sangrientas sino la representación de una "idea de lucha", son héroes de una pintura simbólica, algo así como una lucha ritual de exhibición propia de los jóvenes de la aristocracia local.

Detalle de la Vasija de los Caballeros de La Serrata.

También en ambas piezas aparece la figura de un flautista, algo muy frecuente en otras piezas cerámicas lo que nos indicaría que la música formaba parte del ritual de la nobleza ibérica, y curiosamente el instrumentos utilizado tienen una clara influencia griega puesto que se trata de una flauta doble o aulós.

Calco de la decoración de la Vasija de los Caballeros de La Serrata. Autor: E. Cortell, Museo d´Alcoi

Como vemos en la imagen, las figuras siguen una disposición concreta mediante una especie de narración. Por ejemplo en la encontrada en La Serrata, de izquierda a derecha vemos en primer lugar una mujer tocando el aulós griego, junto a ella un hombre parece cazar un animal con lanza, a continuación varios jinetes de perfil y por último un combate entre dos caballeros. Todas las figuras se realizan de forma simplificada, con el torso de frente mientras que el rostro y las piernas se mantienen de perfil. Por la importancia dada a la figura de los caballos, podemos indicar que era un símbolos de prestigio entre la nobleza aunque su uso era minoritario.
Como vemos, la lucha y el combate son parte esencial de la iconografía ibérica y suele ser el tema central en la cerámica. Estaríamos ante una sociedad guerrera, donde las armas tuvieron un gran desarrollo no sólo como elemento defensivo sino también de prestigio y estatus social, como evidencian los numerosos restos hallados en ajuares funerarios.

Falcata ibérica

Entre estas armas destaca la "falcata", una de las más eficaces espadas de la antigüedad formada por una hoja curva de empuñadura cerrada que a veces se decora con animales. Además de ella, los guerreros también portaban escudos como el scutum (rectangular y ovalado) o la caetra (circular), ambos realizados en cuero endurecido, así como corazas y cascos con apliques metálicos. De la valentía y arrojo de los guerreros íberos quedan testimonios en autores clásicos y por ellos sabemos que participaron como mercenarios junto a los cartagineses y como tropas auxiliares con los romanos. Según cuentan, los guerreros iberos realizaban una especie de juramento de fidelidad (la devotio ibérica) hacia un jefe o caudillo al que prometían defender a cambio de protección. Este tipo de contratos ya existían en otras culturas centroeuropeas y pudieran ser el origen del vasallaje feudal.

Dama de Baza. Piedra caliza. siglo IV a.C

Pero no todo estaba centrado en los hombres, porque las mujeres íberas también tuvieron un importante papel en la sociedad sobre todo aquellas que pertenecían a la aristocracia. Tenemos restos de iconografía que la presenta vestidas a la moda "orientalizante" con trajes, joyas de filigrana y peinados similares a las diosas púnicas. Las esculturas halladas en Baza y Elche confirmarían que algunas de ellas mantuvieron una función muy influyentes como sacerdotisas o diosas-madre.
El relato que nos cuenta Salustio sobre este pueblo íbero habla de mujeres que escogían para el matrimonio el guerrero más valiente y de ceremonias de casamiento con desfiles de músicos y bailarines.

Escena de boda. Cerámica de San Miguel de Liria (Valencia)

La diosa domadora de caballos. Yacimiento de la Alcudia.

En cuanto a la religión que profesaban refleja cierta influencia oriental con la adopción del  tema mitológico de animales fantásticos de fauces abiertas y dioses alados. Un complejo mundo de creencias donde se mezclan las divinidades naturales y antropomorficas similares a las de otras zonas del Mediterráneo.

Si a esto añadimos el hallazgo de numerosos exvotos antropomórificos podemos llegar a pensar que estos pueblos practicaban una intensa espiritualidad, pero si exceptuamos los restos de algunos santuarios y las necrópolis descubiertas tenemos pocos datos y la interpretacón que podamos dar es mera especulación.
Las investigaciones siguen abiertas y se hacen nuevos descubrimentos, pero por el momento el fascinante mundo de guerreros y héroes íberos siguen guardando muchos de sus secretos.

Para saber más sobre la cerámica ibérica
La Sociedad Ibérica a través de la cerámica 

Vajilla ibérica y vasos singulares.

Fuentes:

Archivo Español de Arqueología.Héctor Uroz Rodríguez
www.museuprehistoriavalencia.es
www.regiondemurcia.com
www.ceab.es
www.la-contestania.blogspot.com

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El enigmático cuadro de Holbein: Los embajadores.

"Los embajadores" del alemán Hans Holbein el Joven pintada en 1533, es uno de los mejores ejemplos de lo enigmático que puede llegar a ser una pintura. El complejo código visual y la riqueza simbólica que nos propone este lienzo, la convierten en una obra maestra del Renacimiento europeo porque no basta con mirarlo sino que debemos ver más allá de los objetos representados.

Hans Holbein, uno de los máximos exponentes de la pintura alemana del siglo XVI, se convirtió pronto en un gran retratista de claras influencias intalianizantes como vemos en la que presentamos. Viajó por Europa conociendo el oficio y terminaría llegando a la corte inglesa por recomendación de Tomás Moro donde realizó algunas de sus mejores obras, como el famoso retrato de Enrique VIII que puede verse actualmente en la National Portrait Gallery de Londres. 

¿Pero qué vemos realmente en este cuadro?

A simple vista podríamos decir que nos encontramos ante un retrato doble, algo novedoso para la época, donde los personajes miran directamente al espectador colocados a ambos lados de una especie de mueble expositor.Sabemos la identidad de estos dos hombres, así a la izquierda se encuentra el embajador francés Jean de Dinteville, y a la derecha, su amigo Georges de Selve obispo de Lavaur, también embajador que visitaba la corte inglesa en esas fechas. La escena parece la toma de posesión en el cargo del joven Dinteville, que encargó la obra a Holbein para conmemorar el acontecimiento. En aquellos días de 1533 todavía existía la esperanza en llegar a un acuerdo en las relaciones entre Francia, Inglaterra y el Vaticano, pero poco después la excomunión de Enrique VIII supuso la ruptura definitiva entre las iglesias anglicanas y romana. 
Pero si observamos bien, se intuye un significado más profundo en todo los detalles. 
Por ejemplo, en el centro del cuadro se encuentran los estantes donde se apoyan nuestros protagonistas y en ellos se exponen una serie de objetos diversos que incluyen un globo celeste y otro terráqueo, dos calendarios solares y algunos instrumentos astronómicos como el torquetum, además de un laud, un libro de himnos e incluso un libro de aritmética. Todos ellos suponen una recopilación de las artes liberales, que desde la Edad Media se denominaron "Quadrivium". El estudio de estas artes incluye las ciencias matemáticas, la aritmética, la geometría, la astronomía y la música. Es decir, ambos personajes están así relacionados con los conocimientos propios de los hombres libres del Renacimiento y reflejan su pertenencia a una minoría privilegiada y culta.

Pero es que además cada uno de estos objetos tienen una historia propia. Así el laúd con una cuerda rota se ha interpretado como referencia a la división religiosa que sufría Europa en aquella época. Los calendarios solares fijan la fecha (11 de abril) y la hora (10:30) y algunos investigadores la asocian a la fecha del Viernes Santo de ese año. En cuanto a los libros impresos que Holbein pintó en la escena, destaca el libro de himnos luterano sobre el que se apoya de Selve y que simbolizaría su postura ideológica basada en la doctrina luterana de justificación por la fe, no por las obras.

Incluso el suelo pintado bajo los pies de estos dos embajadores sigue un código intencionado. 

Leonardo da Vinci y el llamado Hombre de Vitruvio

El mosaico imitando mármol de círculos concéntricos, es una clara referencia al modelo de perspectiva renacentista y está basado en el pavimento real de la abadía de Westminster. Los personajes se colocan en el centro siguiendo la idea humanista y antropocéntrica tan de moda en la época del "hombre como centro del universo" 

¿Por qué eligió Holbein el retrato de dos personajes?
Algunos estudios hablan de su intención de representar la dualidad humana. Por una parte el "hombre de acción" en la figura de Dinteville que orgulloso sujeta su daga portando al cuello la medalla de la Orden de San Miguel que resaltan su origen francés. Por otra, el "hombre contemplativo", en el retrato de Selve, que apoyando su brazo derecho sobre un libro de oraciones tiene una actitud más serena. 
¿Y qué representa ese objeto extraño que concentra todas las miradas?

Detalle de la obra con la calavera distorsionada

Situado en la parte baja del cuadro ha intrigado durante mucho tiempo a los investigadores.

Podemos decir que toda la complejidad del lienzo se resume en esta desconcertante imagen. Parece un cráneo deformado y desde luego, no esta ahí por casualidad. 
Técnicamente es una anamorfosis, es decir, una deformación intencionada de una imagen que sólo puede ser corregida mediante un efecto óptico como puede ser por ejemplo un espejo curvo. Esta técnica innovadora obliga al espectador a situarse en una perspectiva concreta para poder ver la imagen correctamente.

Imagen corregida de la anamorfosis con una cuchara

Nada de lo que está aquí representado es lo que parece y si además añadimos que la imagen de un cráneo se interpreta como un símbolo universal de la mortalidad, podríamos suponer que significa una metáfora de la propia muerte de los personajes...
Nada escapa a la muerte que todo lo inhunda. Una alegoría de la Vanitas muy frecuente en el pensamiento del siglo XVI. Esta es la clave de la obra. Ambos personajes a pesar de toda la grandeza y solemnidad con que se nos presentan, siguen siendo mortales al igual que el resto de la humanidad y todo lo que han hecho en vida, no tendrá ningún valor.

Al mirar esta obra se nos pide un esfuerzo intelectual porque estamos ante lo que se conoce como "un cuadro dentro del cuadro". Tenemos que ver lo invisible en lo visible, lo oculto entre los símbolos. Un cuadro complejo que todavía resulta enigmático.

Fuentes:

www.national

www.employees.oneonta.edu 
"Historia del Arte". VV.AA (editorial Ecir)

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La muerte de Marat: el asesino asesinado

El 13 de julio de 1793 es asesinado Jean-Paul Marat, célebre escritor revolucionario francés, mientras se encontraba tomando un baño, algo muy habitual puesto que tenía una grave enfermedad de la piel que le causaba intensos dolores.

Su asesina fue la activista conocida como Charlotte Corday, que según cuentan consiguió acceder hasta él con la excusa de entregarle una lista de presuntos opositores a la patria, momento que aprovechó para matarlo.

La última imagen que tenemos de este personaje viene marcada por el retrato idealizado que hizo su amigo y pintor neoclásico Jacques-Louis David. En la escena, su figura aparece inerte, pálida y recostada dentro de su bañera, sin signos de la enfermedad cutánea que sufría, justo en el momento de morir mientras entre sus manos todavía sujeta la pluma con la que acaba de terminar una última carta, quizás una nueva lista de enemigos de la revolución. Durante los últimos meses de vida, Marat pasaba muchas horas intentando soportar el dolor tomando baños de agua fría y era allí donde trabajaba diariamente.

Charlotte Corday .Paul Jacques Aimé Baudry,1860.

Su muerte fue planificada a conciencia y supuso un duro golpe para el partido jacobino del que era miembro. Marat se había convertido en un fiel defensor e impulsor de la etapa más reaccionaria de la revolución: El Terror,y con ello se había ganado el odio de muchos enemigos dentro de Francia.

La imagen de un cadáver joven y bello como lo presentó David en su cuadro, no tenía mucho que ver con el personaje real porque sabemos que era un hombre de fuerte carácter, incluso violento, que utilizó sus escritos para condenar duramente a cualquiera que estuviera en contra de los ideales revolucionarios. 

Conocido por su afilada escritura, sus publicaciones en el periódico L´Ami du peuple, se convertían en sentencia de muerte y listas negras donde identificaba a los que él consideraba enemigos de la patria. Todos temían a Marat, sus palabras eran infalibles y muchos de ellos terminaba ajusticiados en la guillontina en poco tiempo.

Una de las acusaciones más famosas e injustas que realizó fue contra Lavoisier, considerado padre de la química moderna, que finalmente terminaría condenado a muerte.

Retrato del señor Lavoisier y su esposa. J-Louis David, 1788

En el desenlace de esta historia se mezclan los celos profesionales, la venganza y la lucha ideológica. 

Marat que había estudiado medicina e incluso ejerció la profesion durante un tiempo, realizó algunos experimentos sobre las propiedades curativas de la electricidad pero se sentía rechazado pora la Academia de las Ciencias de Francia por no haber publicado una de sus obras. Lavoisier era miembro de esta academia y también de la Fermé Generale, institución encargada de la recaudación de impuestos en Francia, que en aquellos tiempos revolucionarios no gozaba de buena fama.

La rivalidad entre ambos autores era públicamente conocida, y pronto el escritor jacobino comenzó a acusar al científico de enriquecerse a costa del pueblo y de intrigar contra la República. Para muchos, Lavoisier era un símbolo del antiguo régimen, representaba la antigua aristocracia acaparadora y terrateniente, es decir todo aquello por lo que había luchado la revolución y que era necesario destruir.

Incluso muerto Marat, las terribles acusaciones que hizo contra él terminaron llevándolo ante el patíbulo en 1794. Según cuentan algunos textos, el tribunal que lo había juzgado declaró que: "La República no necestia de sabios ni químicos, el curso de la justicia no debe parar".Fue llevado a la Plaza de la Revolución junto a otros miembros de la Fermé Generale y su cuerpo fue arrojado a una fosa común. 

Sin embargo, la injusticia de su muerte no hizo olvidar su legado, las voces contra su ejecución se escucharon pronto como hiciera el matemático Lagrange, que con sus palabras resumía un sentimiento general... “se tardó solo un instante en cortarle la cabeza, y quizá no basten cien años para que surja otra igual”.

Pero los excesos cometidos durante la etapa de El Terror, pronto condenaron al gobierno y a sus defensores al fracaso, haciendo que muchos de ellos terminaran pasando por la guillotina. 

Quizás la muerte de Lavoisier pudo haberse evitado pero se ha convertido en el peor ejemplo de la irracionalidad política.

Fuente:
www.sinc.es 
www.publico.es 
Imágenes: Wikipedia Creativ Commons

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Los 7 Pecados Capitales según El Bosco

 

Esta es una de las obras más interesantes de Hieronymus van Aeken Bosch, pintor conocido como El Bosco. Sabemos poco de su vida, mucho menos que de algunos de sus contemporáneos como Durero o Leonardo da Vinci, apenas unos trazos de su nacimiento,aproximadamente hacia el 1450 en la ciudad holandesa de Hertogenbosch -de donde quizás provenga su apodo-, y sin embargo sus misteriosas composiciones han fascinado al mundo desde siempre.
Realiza una pintura inspirada en la interpretación muy personal de las Sagradas Escrituras, arraigada dentro de la tradición holandesa en cuanto a técnicas pero consiguiendo un lenguaje propio, complejo y subjetivo que es fácilmente reconocible. Un mundo pictórico lleno de imágenes monstruosas e incluso grotescas de escenas extrañas y llenas de fantasía desbordante, donde aparecen personajes deformes y animales irreales. Sus cuadros casi oníricos son de difícil interpretación, pero en la mayoría de las ocasiones tratan de temas religiosos, donde a través de la ironía y la caricatura hace una crítica directa de la sociedad corrupta y pecadora en la que vive.
Simulan terribles pesadillas que algunos consideran predecesoras del movimiento Surrealista del siglo XX, aunque en realidad, El Bosco no se aleja de la influencia de la tradición y folckore medievales, donde los manuscritos miniados y los Bestiarios tuvieron un gran apogeo. 

De ahí su gusto por las escenas detallistas en miniatura que llenan el espacio de pequeñas figuras realizando la más variada de las acciones.Fue además un gran dibujante y un estudioso de la naturaleza, que supo expresar con gran libertad creativa, convirtiéndole en un pintor bastante moderno para su época.

En cuanto al contexto histórico en el que realiza su obra, se trata de finales del siglo XV cuando Europa se encuentra en en plena transformación hacia el Renacimiento.El oscurantismo medieval, dominado por la religiosidad y la moralidad, se abre progresivamente a una nueva visión humanista que pone en cuestión los tradicionales pilares de la sociedad. 
La obra de El Bosco podemos considerarla como transición entre ambos mundos, se mantiene fiel al estilo medieval obsesionado con la piedad y la devoción cristianas, pero también se acerca a la expresividad renacentista en el tratamiento de las figuras. Su pintura se entiende como moralizante, presentándonos al artista como un visionario obsesionado con el demonio y la superstición.No buscaba la belleza idealizada, el canon, sino todo lo contrario, las escenas parecen llenarse de anarquía y yuxtaposición de las formas, rodeadas de cierto misterio donde podemos ver un gusto por los temas heréticos.
Esto ha llevado a algunos estudiosos han buscar cierto morbo,como planteó Wilhem Fraenger, que lo acusa de pertenecer a una secta herética donde se practicaba una escandalosa libertad sexual. Asegura que solo así podría interpretarse correctamente su trabajao lleno de simbolismo. No sabemos si esto es cierto o no, pero desde luego la imagineria que utilizó el artista debe tener algún significado oculto que obliga al espectador a buscar algo más, es quizás uno de los primero pintores en utilizar la abstracción conceptual.

Uno de los mejores ejemplos de esa complejidad creativa lo encontramos en "La Mesa de los Siete Pecados Capitales". Una tabla pintada al óleo que fue adquirida por Felipe II para decorar los aposentos reales del Monasterio de El Escorial y luego trasladada al Museo del Prado (Madrid), donde se encuentra actualmente.

Vamos a interpretar la obra:

El tema es la representación de los Siete Pecados Capitales conocidos por el acrónimo latino "saligia",palabra compuesta por la inicial de cada uno de esos vicios: superbia,avaritia, luxuria, ira, gula, invidia y acidia y de la que derivan todos los demás pecados terrenales para el Cristianismo.

Considerada una de sus primeras pinturas,tiene una composicion muy original. En este caso, usa una disposicion circular mediante tres anillos concéntricos, en cuyo centro aparece representado el ojo de Dios, dentro del cual situa la imagen de Cristo resucitado mostrando los estigmas. Alrededor de éste, coloca la leyenda en latín: "Cave, Cave, dominus videt" o lo que es lo mismo "cuidado, cuidado, Dios lo ve todo" advertencia de que los pecados del hombre no podrán ser ocultados a los ojos del Creador.

Alrededor de este espacio central, se distribuyen las escenas donde coloca los Pecados capitales o Vicios que amenazan permanentemente la vida de cualquier cristiano, entre ellos:

• La Soberbia, el deseo de ser más importante que los demás, es uno de los principales pecados y lo identificada como una joven vanidosa con un rídiculo tocado que absorta en el reflejo del espejo no se da cuenta que éste lo sujetan los demonios.

• La Lujuria o el deseo sexual irrefrenable, a través de dos parejas de amantes que entregados al filtreo no se dan cuenta de que un juglar es azotado justo a su lado.

• La Ira, representada por dos borrachos que pelean ante la presencia de una sonriente mujer que los observa consciente de su ridiculez.

• La Gula o el gusto excesivo por la comida y bebida, en un enorme banquete de manjares devorado por una familia de insaciables glotones. 

• La Pereza o el abandono de los deberes espirituales y el cuidado de uno mismo, identificada como un hombre dormitando mientras una mujer se acerca con un rosario para recordarle su olvido de los deberes espirituales.

• La Avaricia, la deslealtad y aceptación de sobornos para el beneficio personal, en la escena donde sitúa a un juez aceptando el soborno de los que piden clemencia.

• La Envidia, o el deseo de cualquier individuo de lo que otros poseen, como bien cuenta el refrán flamenco "dos perros con un hueso rara vez llegan a un acuerdo".

En las esquinas de la tabla aparecen varias escenas que completan el mensaje: Dios todo lo ve y los hombres serán juzgados al final de sus vidas. 

Así la Muerte, acecha tras la cama del moribuno que confiesa sus pecados...

En el Juicio Final la llegada de los ángeles anuncia el juicio de Jesucristo sobre las almas de los difuntos...
 Y mientras que en el Infierno los pecadores son condenados a terribles castigos, los justos son dirigidos a la Gloria de Dios en el cielo donde serán recibidas por San Pedro. 

Escena del Infierno

Escena de la Gloria

Si todavía quedaba dudas sobre el mensaje moral de la obra, el autor incluye además dos textos del Deuteronomio: que advierte a los hombres que alejarse del camino de Dios tiene sus consecuencias...
 "Porque son un pueblo que no tiene ninguna comprensión ni visión, si fueran inteligentes entenderían esto y se prepararían para su fin” y "Apartaré de ellos mi rostro y observaré su fin". 

El patrón utilizado en la tabla, una especie de rueda, es algo común  en la Edad Media para recrear el camino tomado por los pecadores. Es la rueda del Vicio y la Fortuna, que se ha convertido en el ojo de Dios como lo interpreta W. S. Gibson ("Hieronymus Bosch and the Mirror of Man",1973).

La rueda de la Fortuna del Hortus deliciarum. siglo XII

El cristianismo medieval controlaba todos los aspectos de la vida: la familia, el trabajo, las relaciones sociales,...siempre desde un punto de vista en el que el hombre es continuamente tentado por el demonio para alejarse de la fe. El pecado es prácticamente inevitable.
No estamos por tanto ante una simple tabla, sino ante un sermón moralizante que advierte de las terribles consecuencias de las acciones del hombre que caen en esa tentación y se alejan de la gloria de Dios. 
Esta peculiar forma de pintar de El Bosco, le hizo gozar de gran fama entre los coleccionistas particulares, sobre todo fuera de su país en España y Venecia. Sin embargo, mantuvo un concepto artesano de la pintura propio del medievo, puesto que no firmaría muchas de sus obras. Apenas siete tablas contienen su firma -actualmente se reconocen unas veinticinco salidas de sus manos- mientras que el resto se han perdido e incluso falsificado.
Según su mayor admirador, Felipe II, El Bosco conseguía representar a los hombres no como querían ser, sino como eran en realidad. Más próximos a la caricatura y la decadencia, que al ideal de belleza renacentista que triunfaría poco después.

Fuentes:
www.museodelprado.es
www.arteespana.com 
www.williamgaddis.org 
www.almargen.com.ar
www.hispaniasacra.revistas.csic.es

www.es.dbpedia.org
Imágenes:Wikipedia Commons.

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